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Pour célébrer l’année nouvelle, l’Orchestre vous entraîne sur l’une des plus célèbres avenues du monde : entre love stories et rythmes effrénés, les musicals de Broadway explosent dans toute leur diversité colorée. Des sonorités célébrissimes de Bernstein (qui aurait eu cent ans en 2018) dans West Side Story à l’une de ses oeuvres moins connues, On the Town, de la chantante Mélodie du bonheur au grinçant Cabaret : une envie de danser et de chanter (sous la pluie), un désir irrésistible de faire la fête et de s’envoler, le temps de quelques extraits flamboyants, vers les lumières aveuglantes de New York, New York.

Mike Garson, le leader du groupe, annonce le début de la tournée « A Bowie Celebration » avec des musiciens clés ayant collaboré avec David Bowie. Earl Slick, Gerry Leonard, Carmine Rojas, Mark Plati,ainsi que des chanteurs de renommées mondiales dont Bernard Fowler, Gaby Moreno et Joe Sumner seront de la partie. Les musiciens joueront aussi bien des tubes de Bowie que des titres plus confidentiels.

Mike Garson, membre le plus ancien du groupe de Bowie et claviériste, a joué avec lui dans plus de 1000 shows à travers le monde. Il déclare « Ce groupe est un rêve. Chaque membre est au sommet de son art. Si on ajoute les meilleurs fans du monde dansant et chantant avec nous, tout est fait pour que le pouvoir de la musique de David Bowie se perpétue avec la même intensité que lorsque nous jouions avec lui. »
Earl Slick, guitariste légendaire a travaillé sur des albums incontournables de Bowie comme « Diamond Dogs »,« Young Americans » et « Reality ». Il y a aussi Gerry Leonard, guitariste de Bowie, Carmine Rojas, le bassiste de la tournée Let’s Dance/Serious Moonlight, et Mark Plati, guitariste et producteur, mais aussi directeur musical du groupe A Bowie Celebration.

Ensemble, ils cumulent 30 ans d’expérience dans l’enregistrement, la composition et les tournées avec Bowie.

La presse en parle : « Ce groupe exceptionnel a comblé les attentes des fans avec une liste de morceaux bourrée de tubes et ponctuée de raretés (le meilleur scénario possible) … Il n’est de meilleur hommage à l’oeuvre de Bowie que celui rendu par ceux qui l’ont jouée au mieux. »  Melissa Ruggieri, ATLANTA JOURNAL-CONSTITUTION

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Marko Letonja a imaginé une soirée 100% Chostakovitch. Elle rassemble deux pièces tardives du compositeur russe, alors au sommet de son art : son ultime page concertante, le Concerto n°2 pour violoncelle et orchestre (1966) – interprété par Jean- Guihen Queyras, artiste en résidence pour l’année 2019 – et sa dernière symphonie, la Quinzième. Composée en 1972, elle procède de l’envie de « composer une symphonie joyeuse », mais tout n’est pas serein, loin s’en faut, dans cette partition mystérieuse et envoûtante oscillant entre lumières et ténèbres. Elle peut être considérée comme l’évocation de l’existence humaine, de l’innocence heureuse de l’enfance au premier mouvement à une conclusion qui résonne comme un effacement.

Programme

Arturo Brachetti, le grand maestro international du "quick change" est de retour avec son nouveau one man show.

Ce nouveau spectacle surréaliste et acrobatique mêle magie, illusions, jeux de lumières et de lasers. Avec son talent inimitable, ce grand artiste italien donne vie à plus de 50 personnages sur scène.

Brachetti nous ouvre les portes de sa maison et nous embarque dans ses rêves et ses fantaisies. Cette maison symbolise la boite à souvenirs que tout un chacun a, caché quelque part, dans un tiroir, un coin de sa tête, au fond de son coeur ; une maison sans lieu et sans temps, où le dessous devient le dessus et où l’on monte les escaliers pour descendre. L'univers de SOLO est un mélange entre fantaisie et réalité, entrelacées et mêlées ingénieusement sur
scène, grâce à des projections et du mapping vidéo. Brachetti crée ici une oeuvre théâtrale intelligente , associant des décors réels et des effets spéciaux.
Ainsi, le public peut littéralement pénétrer dans la maison et découvrir le petit monde d’Arturo. Elle devient le théâtre dans lequel Brachetti se transforme en cette galerie de personnages issus de son imagination, dans une série de numéros qui laissent le public bouche bée.
Entre Magritte et musique pop, en passant par la fable et Matrix, Brachetti tient le rythme : 90 minutes d’un grand spectacle pensé pour tous et à voir en famille !

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Considéré comme le père de la symphonie, Joseph Haydn – qui en écrivit cent quatre – livre une des pages les plus sombres de son corpus avec sa quarante-neuvième surnommée La Passion (même si rien n’indique formellement qu’elle fut composée pour la Semaine sainte). Douloureuse et noire, cette oeuvre emblématique du Sturm und Drang entre en profonde résonance avec la Symphonie n° 14 de Chostakovitch hantée par la mort. Pièce vocale en onze parties, cette dernière rassemble des poèmes de Federico García Lorca, Guillaume Apollinaire (avec notamment le sublime Suicidé), Wilhelm Küchelbecker et Rainer Maria Rilke : la mort est ici toute puissante, il n’y a ni rédemption possible, ni transcendance salvatrice et l’auditeur est happé dans un tourbillon obscur dont l’espoir est absent.

Programme

Pour ce second volet du dialogue entre Joseph Haydn et Dmitri Chostakovitch, Marko Letonja a choisi la Symphonie n° 73 du compositeur autrichien surnommée La Chasse. Noble hommage à Diane, elle est emplie des échos de l’élégante Chasse du cerf (1708) de Jean-Baptiste Morin. Dans la Symphonie n° 13 de Chostakovitch, il est en revanche question de la plus sinistre des chasses, celle de l’être humain pendant la seconde guerre mondiale. Sur des poèmes d’Evgueni Evtouchenko, l’oeuvre évoque le massacre de Babi Yar (Ukraine), au cours duquel plus de 30 000 Juifs périrent en 1941 sous les balles des Einsatzgruppen et de leurs supplétifs locaux. Sont également rappelées d’autres violences antisémites, de l’affaire Dreyfus à la tragédie d’Anne Frank.

Programme

I Muvrini, le célèbre groupe corse créé par Alain et Jean-François Bernardini, est de retouravec un nouvel album intitulé « Luciole » & une nouvelle tournée dans toute la France en 2019.
Non les lucioles n’ont pas disparu. Elles ne disparaitront jamais. Qu’est ce qui nous éclaire aujourd’hui ? Notre époque exige de nous de muter. Ne laissons pas l'obscurité gagner sur la lumière.

Ce spectacle, nous l'avons voulu « lumière et résistance ». Ce n’est pas un retour, c’est un envol ! On a souvent demandé à I MUVRINI si ils chantent la modernité ou la tradition. Dans ce spectacle ils répondent mieux que jamais qu’ils chantent la colère, l’espoir, l’amour et ne savent toujours pas si cela relève de la modernité ou de la tradition.

Avec Luciole, I MUVRINI parle au Monde et à chacun de nous: « non ton plus beau jour n’est pas encore venu ».

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Joan Baez symbolise à elle seule toute une génération d'artistes politiquement engagés. C'est un e icône de la contestation et de la protestation. Aux côtés d'artistes comme Bob Dylan, dont elle chantera bon nombrede chansons, Joan Baez trouve dans la folk un moyen d'exprimer sa critique sociale. Pendant cinq
décennies, en tant que chanteuse, activiste, et ambassadrice de bonne volonté, Joan Baez a chanté avec le même état d'esprit. En 2007, elle a été gratifiée du Lifetime Achievement Award de l'Académie Nationaledes Arts. 

Day After Tomorrow est son 24ème album ; c'est le premier album studio depuis Dark Chords On A Big Guitar (2003). Produit par Steve Earle - musicien incontournable de la scène folk-rock-blues américaine, célébrant les cinquante ans d’une carrière exceptionnelle.
Etonnamment contemporain, il inclut des moments marquants tels une reprise d'un titre de Tom Waits (« Day After Tomorrow », qui donne son nom à l'album), une autre d'Elvis Costello (« Scarlett Tide »), et les remarquables compositions de Steve Earle qui ouvrent et concluent l'album (respectivement « God Is God »
et le très beau et dépouillé « Jericho Road »). La prochaine fois qu’elle revient en concert en France, ce sera dans le cadre de sa tournée d’adieu “Fare
Thee Well ”. Entre odes à l’amour et messages engagés, ce sont près de 60 ans de classiques qui viendront ravir nos oreilles.

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Vous pensiez que les Chinois étaient partout ? C’est pire !
Bun Hay Mean se joue de tous les clichés y compris de ceux du public. Entre stand up, sketches et impros détonantes, Bun Hay Mean vous révélera pourquoi le chinois est l’avenir de l’Homme.

Plus qu'un spectacle, Chinois Marrant est un concept ! Bun Hay Mean débarque dans ta ville.
Dont worry be noichi !

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D’ampleur symphonique, le Concerto pour piano et orchestre n°1 de Brahms exprime le lien puissant unissant le compositeur à un instrument pour lequel il écrivit nombre de pièces : variations, ballades, sonates, etc. Il trouve l’harmonie parfaite entre le clavier et l’orchestre dans une partition pleine d’un romantisme issu des brumes de l’Allemagne du nord où le soleil peine à poindre. Pétrie de gaieté, la Symphonie n°8, Tchécoslovaque, de Dvořák – où des influences brahmsiennes sont perceptibles – ressemble en revanche à un hymne apaisé à la nature, dont Janáček décrivait ainsi l’essence : « À peine as-tu découvert une figure que la suivante te fait signe aimablement ; tu te trouves dans un état d’excitation constant, mais plaisant. »

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